Wassily Kandinsky e la fiaba.

Il legame di Kandinsky con la tradizione popolare russa - l'immaginario e le fiabe - in due dipinti del primo Novecento: "Il cavaliere azzurro" e "La vita variopinta".

🖊 Post di Rossana Rolando.

Il cavaliere azzurro (olio su tela, 55×60, 1903, Collezione privata, Zurigo) e La vita variopinta (tempera su tela, 130×162,5, 1907, Lenbachhaus Monaco) di Wassily Kandinsky (Mosca 1866 – Neuilly-sur-Seine 1944) appartengono alla fase precedente l’astrattismo, fatto risalire al 1910 - data in cui compaiono i primi acquerelli privi di oggetto figurativo realistico - e alla pubblicazione, due anni dopo, de Lo spirituale nell’arte.

Wassily Kandinsky, Il cavaliere azzurro

Oltre a ispirare successivamente, nel 1911, il nome del gruppo fondato a Monaco (di cui fanno parte, tra gli altri, Franz Marc e Paul Klee), Il cavaliere azzurro (o Il cavaliere blu, Der Blaue Reiter, 1903) ha una forte valenza simbolica: l’uomo in corsa sul cavallo bianco è l’alter ego dell’artista e rimanda al senso della vita come lotta tra bene e male, come tensione volta ad affermare il primato della dimensione spirituale su quella materiale. Il blu è il colore prediletto: il colore del cielo, della quiete introspettiva, della beatitudine, simile musicalmente a un flauto quando è azzurro, a un violoncello nel momento in cui diventa blu, a un contrabbasso se è molto denso e, infine, nella sua manifestazione “più scura e solenne” a un organo (Lo spirituale nell’arte, Se, Milano 1989, p. 65).

Wassily Kandinsky, La vita variopinta

Il cavaliere ritorna anche ne La vita variopinta, dipinto collocabile agli inizi del 1907, quando Kandinsky vive a Sèvres, vicino a Parigi, e ripensa all’amata Russia (riconoscibile è il colle del Cremlino), trasfigurandola idealmente sulla tela. Quest'ultima riassume in sé tutti gli archetipi originari della mente umana: l’amore erotico raffigurato dal giovane posto all'inseguimento della fanciulla, in alto a sinistra e, subito sotto, la morte evocata dai teschi che ricoprono l’abito talare di un prete; la discordia e la guerra rappresentate dai randelli alzati dei contadini, al centro; la vecchiaia messa in scena dal vegliardo, con il suo lungo bastone, nella parte centrale dell’opera; la vita racchiusa in quell'icona “sacra” della madre stretta al suo bambino, in basso a sinistra; la giovinezza identificata con un ragazzo che suona il flauto, giù a destra…

Il linguaggio pittorico è simile a quello naïf, appreso da Kandinsky nel 1889 durante il suo viaggio di studio a Vologda, e attinge alla tradizione popolare russa dell’immaginario medievale e delle antiche fiabe. La vitalità, l’energia, la gioia che il dipinto comunica sono date principalmente dai colori utilizzati in forma pura, in pennellate radicalmente distinte, e concepiti come strumenti potentemente espressivi, mediatori psicologici di emozioni interiori e di vibrazioni spirituali.